Il cinema “made in Italy” parla sempre di più napoletano. Dopo i grandi trionfi alle ultime edizioni dei David di Donatello, i film partenopei si confermano ancora una volta i più attesi conquistando il programma di Venezia 76. Attesi alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica ben due dei tre film nostrani in concorso sono ambientati alle falde del Vesuvio. Si tratta del “Sindaco del Rione Sanità” di Mario Martone e “Martin Eden” di Pietro Marcello.
La locandina del film “Il Sindaco del rione Sanità” con Francesco Di Leva
Il primo in gara venerdì 30 agosto è una trasposizione cinematografica della commedia in tre atti scritta nel 1960 da Eduardo De Filippo, che arriva sul grande schermo con una potente attualizzazione, ed ha per protagonista Francesco Di Leva nei panni di Antonio Barracano, uomo d’onore che governa il quartiere popolare. A distanza di un anno da “Capri, Revolution” Martone torna in gara portando un’opera che ha già diretto a teatro al Nest di San Giovanni a Teduccio. Nel film, che uscirà nei cinema il 30 settembre, figurano anche Massimiliano Gallo e Roberto De Francesco.
Luca Marinelli in “Martin Eden” di Pietro Marcello
L’altro che gareggia per il Leone d’Oro è in programma il 2 settembre ed è liberamente ispirato all’omonimo romanzo di Jack London, pubblicato nel 1909. Il regista casertano Marcello ha scelto di puntare su Luca Marinelli per il ruolo del marinaio innamorato di una ragazza borghese. Sarà nelle sale il 4 settembre.
Una scena di “Nevia” di Nunzia De Stefano
Nella sezione “Orizzonti” c’è “Nevia” (5 settembre) mentre nelle “Giornate degli Autori” (28 agosto) c’è “5 è il numero perfetto”, entrambi ambientati a Napoli. Il primo porta la firma dell’esordiente Nunzia De Stefano, che ha mosso i primi passi al Matteo Garrone, e vede in scena Gianfranco Gallo. Mentre l’altro è un film stilizzato diretto da Igort ha tratto dalla sua graphic novel di culto con protagonisti Tony Servillo e Carlo Buccirosso.
Tony Servillo e Carlo Buccirosso in “5 è il numero perfetto” di Igort
Tra gli eventi speciali il 5 settembre c’è “Citizen Rosi” omaggio al grande regista napoletano (Francesco), Leone d’oro alla carriera nel 2012, diretto dalla figlia Carolina con Didi Gnocchi. In tema di grandi registi, Paolo Sorrentino, mostrerà il 1 settembre due episodi (il 2 e 7) della nuova serie “The New Pope” con Jude Law, John Malkovich e Silvio Orlando.
Jude Law, John Malkovich in “The New Pope” di Paolo Sorrentino
Infine, tra i cortometraggi c’è “Sufficiente” di Maddalena Stornaiuolo e Antonio Ruocco alle “Giornate degli Autori”, mentre nel concorso “Giovani Autori Italiani” della Siae troviamo Cristina Donadio protagonista del film breve “La scelta” diretta da Giuseppe Alessio Nuzzo. Evento speciale “Scherza con i fanti”, documentario di Gianfranco Pannone e Ambrogio Sparagna.
Cristina Donadio in “La scelta” di Giuseppe Alessio Nuzzo
Quello tra Napoli e il cinema non solo è un amore senza tempo ma che di recente sta richiamando autori da tutto lo Stivale, se si pensa allo stesso Garrone, ma anche ad Ozpetek o i Manetti Bros, grazie ad un grande lavoro della Film Commission Campania.
Le lacrime di gioia di Marina Confalone (nella foto) hanno aperto la 64esima edizione dei David di Donatello. All’artista napoletana è andata la statuetta come Miglior attrice non protagonista per il film “Il vizio della speranza” di Edoardo De Angelis. «Dedico questo premio alla mia terra, ai napoletani che hanno buona volontà. Tra questi ce n’è uno in particolare – ha detto emozionatissima – il mio compagno Gigi che ha molta buona volontà con me».
La cerimonia, condotta da Carlo Conti e trasmessa in diretta su Rai1, si è poi infiammata con la presenza del regista hollywoodiano Tim Burton, premiato alla carriera da Roberto Benigni. «Mi sento molto vicino agli italiani e essere qui stasera è come essere al tempo stesso in un circo, in un film e in una strana famiglia». Tra gli altri premi speciali quello a Uma Thurman, il 3 volte premio Oscar Francesca Lo Schiavo e Dario Argento che nonostante una carriera straordinaria non ne aveva mai ricevuto uno.
Ben 9 premi per “Dogman”, girato a Castel Volturno, a partire dal miglior film, la miglior regia e la miglior sceneggiatura originale di Matteo Garrone, al miglior attore non protagonista Edoardo Pesce, al montaggio di Marco Spoletini, alla scenografia di Dimitri Capuani, alla fotografia di Nicolaj Bruel, al suono, ai truccatori Dalia Colli e Lorenzo Tamburrini. Il miglior attore è Alessandro Borghi per la sua interpretazione di Stefano Cucchi nel film “Sulla mia pelle” di Alessio Cremonini. «Ringrazio la famiglia Cucchi – ha commentato commosso – e le persone che mi sono state vicine durante la lavorazione di questo film che non è stato facile affrontare. Questo premio – ha aggiunto l’attore – è di Stefano Cucchi e voglio dedicarlo a tutti gli essere umani che devono essere considerati uguali a prescindere da tutto». Al film va anche la statuetta per il miglior regista emergente, ai produttori e il David Giovani.
“Loro” di Paolo Sorrentino trionfa per la miglior attrice Elena Sofia Ricci che ha interpretato Veronica Lario, e per le acconciature di Aldo Signoretti al suo quinto premio. C’è un pezzo di Napoli anche in “A casa tutti bene”, girato ad Ischia da Gabriele Muccino, che ha ottenuto il David dello Spettatore come film italiano più visto in sala. “Santiago, Italia” di Nanni Moretti è il miglior documentario. Moretti ha ricevuto il suo nono David su 44 candidature. «Sono contento di ricevere questo David per questa bella storia italiana di accoglienza».
Premi tecnici per “Capri – Revolution” di Mario Martone grazie alle musiche di Sasha Ring e Philipp Thimm e i costumi di Ursula Patzak. Miglior sceneggiatura e miglior canzone (“Mistery of love” di Sufjan Stevens) per “Chiamami col tuo nome” di Luca Guadagnino. Migliori effetti visivi per Victor Perez per “Il ragazzo invisibile – seconda generazione”. Miglior film straniero è “Roma” di Alfonso Cuaron: «Il cinema italiano una guida illuminante nella mia formazione».
«È come giocare a scacchi a 200 all’ora». Con questa frase Renzo Musumeci Greco racchiude l’essenza della scherma. «È un insieme di scienza e tecnica combinata alla fantasia e all’estro della mente. Hai difronte un avversario, bisogna decidere la mossa in centesimi di secondo, essere fulminei nel ragionamento da tradurre in un gesto atletico. Senza far capire il proprio pensiero».
È uno dei più importanti maestri d’arma a livello globale, erede di una famiglia che da oltre 160 anni scrive la storia di questa arte. L’Accademia d’Armi Musumeci Greco sorge a pochi passi dal Pantheon a Roma e da lì sono passati capi di Stato, olimpionici e grandi artisti. Merito di avvicinare la scherma allo spettacolo fu Enzo Musumeci Greco, suo padre, che nel 1939 iniziò a collaborare con il grande cinema da Cinecittà a Hollywood.
Tra la scherma e il cinema c’è un bel rapporto…
«È un rapporto ciclico. A partire dagli anni 20, con l’avvento dell’audio nel cinema, e fino agli anni 60, c’era un legame strettissimo. All’epoca erano molto in voga il duello, il genere cavalleresco, i film in costume. Negli anni 70 il tutto si è affievolito, il genere è passato di moda, al cinema andava più la commedia o altri generi, per cui noi abbiamo spostato l’attenzione su altri generi di spettacolo come il teatro e l’opera critica».
È stato sul set di “Ben Hur”, cosa ricorda di quella esperienza?
«Avevo 6 anni, mi ci portò mio padre che lavorava su quel set. Non capivo bene quello che succedeva, assistevo a galeoni nella piscina di Cinecittà che simulava un mare in tempesta, a cavalli e bighe. Tutto quello che avevo visto dal vivo per mesi, si è tradotto in un film che andai a vedere al cinema. E lì ho subito un fascino incredibile, mio padre mi trasmise così una malattia incurabile, terminale, me la porto appresso. Qualcosa che ho attaccato a mio figlio, quando lui aveva 14 anni siamo stati un mese sul set della serie “Caravaggio” con Alessio Boni, girato a Belgrado ma ambientato nella Roma rinascimentale, con Storaro che ne curava la fotografia. Fu colpito anche lui da questo fascino. Ora lavora come assistente alla regia».
Qual è stato lo spettacolo che le ha regalato più gioia?
«Sicuramente “Il trovatore” diretto da Franco Zeffirelli. Nel 2001 alla prima all’Arena di Verona quando salimmo in scena per i saluti finali fummo accolti da 15 minuti di applausi da parte di 15mila spettatori. Fu il riconoscimento di un grande lavoro. In scena portammo una battaglia che coinvolgeva oltre 100 attori. Ricordo con piacere anche un “Otello” con Placido Domingo».
E l’attore che le ha dato più soddisfazioni?
«Sono tre: Alessio Boni, Massimo Ranieri e Roberto Bolle. Boni sapeva fare poco, abbiamo fatto tre mesi di preparazione e un lavoro straordinario. Ranieri aveva già lavorato con mio padre, era già forte fisicamente e pronto tecnicamente. Bolle, invece, aveva una maestria nel portamento e una grande prestanza».
Chi sfiderebbe a duello?
«Sfiderei gli imbroglioni, gli usurpatori, mi sento come Robin Hood, ho lo spirito cavalleresco, quello puro, quello che di chi rischia la vita per proteggere i più deboli».
(Articolo pubblicato sul numero di marzo 2019 di Cultura Identità)
Tutto pronto per una edizione senza conduttore. La 91esima “notte degli Oscar” si terrà il 24 febbraio al Dolby Theatre di Los Angeles, e in Italia verrà trasmessa in diretta esclusiva su Sky Cinema Oscar (canale 304) a partire dalle 22.50.
Il super evento verrà seguito anche da Sky Uno (canale 108) a partire da mezzanotte e mezzo, mentre lunedì 25 febbraio a mezzanotte proporrà “Il meglio della notte degli Oscar 2019“. C’è “speranza” anche per chi non dispone dell’abbonamento a Sky: gli Oscar 2019 andranno in onda anche in chiaro su Tv8 a partire dalle 22.50.
Intanto scopriamo trama, trailer e nomination totali dei 8 candidati a Miglior Film (in ordine alfabetico).
BLACK PANTHER
Il Wakanda, nazione dell’Africa centro-Orientale, si nasconde agli occhi del mondo. In apparenza Paese povero di risorse e speranze, nei fatti il più tecnologicamente avanzato del mondo, grazie alla presenza del vibranio, minerale alieno dalle inimmaginabili potenzialità. Quando T’challa sale sul trono, divenendo così la nuova Pantera Nera che protegge il proprio popolo, intende preservare la tradizione, ma un ritorno inatteso a Wakanda lo obbligherà a rivedere i propri piani.
Sono gli anni ’70 e Ron Stallworth (John David Washington) è il primo agente afro-americano che lavora nel Dipartimento di Polizia di Colorado Springs. Determinato a farsi un nome, Stallworth si imbarca coraggiosamente in una missione pericolosa: infiltrarsi e smascherare il Ku Klux Klan. Per l’importantissima indagine sotto copertura, Il giovane agente presto recluta un collega di maggiore esperienza, Flip Zimmerman (Adam Driver). Insieme i due fanno squadra per abbattere l’estremistico Gruppo dell’Odio mentre l’organizzazione si prefigge di dare una ripulita alla sua violenta retorica per conquistare la massa.
Regia di Spike Lee. Biografico – thriller, 135 minuti.
6 nomination: (Miglior) film, regista, sceneggiatura non originale, attore non protagonista (Adam Driver), montaggio, colonna sonora.
BOHEMIAN RHAPSODY
Da qualche parte nelle suburb londinesi, Freddie Mercury (Rami Malek) è ancora Farrokh Bulsara e vive con i genitori in attesa che il suo destino diventi eccezionale. Perché Farrokh lo sa che è fatto per la gloria. Contrastato dal padre, che lo vorrebbe allineato alla tradizione e alle origini parsi, vive soprattutto per la musica che scrive nelle pause lavorative. Dopo aver convinto Brian May (chitarrista) e Roger Taylor (batterista) a ingaggiarlo con la sua verve e la sua capacità vocale, l’avventura comincia. Insieme a John Deacon (bassista) diventano i Queen e infilano la gloria malgrado (e per) le intemperanze e le erranze del loro leader: l’ultimo dio del rock and roll.
Regia di Bryan Singer. Biografico – musical, 134 minuti.
Primi anni del XVIII secolo. L’Inghilterra è in guerra contro la Francia. Ciò nonostante, le corse delle anatre e il consumo di ananas vanno per la maggiore. Una fragile regina Anna (Olivia Colman) siede sul trono mentre l’amica intima Lady Sarah Churchill (Rachel Weisz) governa il paese in sua vece e, al tempo stesso, si prende cura della cattiva salute e del temperamento volubile della sovrana. Quando l’affascinante Abigail Masham (Emma Stone) arriva a corte, si fa benvolere da Sarah, che la prende sotto la sua ala protettiva.
Regia di Yorgos Lanthimos. Biografico – storico, 120 minuti.
Nel 1962, dopo la chiusura di uno dei migliori club di New York in cui lavorava, il buttafuori italoamericano Tony Lip deve a tutti i costi trovare un lavoro per mantenere la sua famiglia. Accetta di lavorare per il pianista afroamericano Don Shirley e decide si seguirlo in tour nel sud degli Stati Uniti. Nonostante le differenze e gli iniziali contrasti, tra i due si instaurerà una forte amicizia.
Regia di Peter Farrelly. Drammatico, 135 minuti.
Messico, 1970. Roma è un quartiere medioborghese di Mexico City che affronta una stagione di grande instabilità economico-politica. Cleo è la domestica tuttofare di una famiglia benestante che accudisce marito, moglie, nonna, quattro figli e un cane. Cleo è india, mentre la famiglia che l’ha ingaggiata è di discendenza spagnola e frequenta gringos altolocati. I compiti della giovane domestica non finiscono mai, e passano senza soluzione di continuità dal dare il bacio della buonanotte ai bambini al ripulire la cacca del cane dal cortiletto di ingresso della casa: quello in cui il macchinone comprato dal capofamiglia entra a stento, pestando i suddetti escrementi. Perché nel Messico dei primi anni Settanta tutto coesiste: la nuova ricchezza come la merda degli animali da cortile, il benessere ostentato dei padroni e la schiavitù “di nascita” dei nullatenenti. Tutto convive in un sistema contradditorio ma simbiotico in cui le tensioni sociali non tarderanno a farsi sentire, catapultando il recupero delle terre espropriate in cima all’agenda dei politici in cerca di consensi.
Regia di Alfonso Cuarón. Drammatico, 135 minuti.
10 nomination: (Miglior) film, regista, sceneggiatura originale, migliore attrice protagonista (Yalitza Aparicio), migliore attrice non protagonista (Marina de Tavira), fotografia, film straniero, scenografia, montaggio sonoro, sonoro.
Il musicista di successo Jackson Maine (Bradley Cooper) che scopre, e si innamora della squattrinata artista Ally (Lady Gaga). Lei ha da poco chiuso in un cassetto il suo sogno di diventare una grande cantante… fin quando Jack la convince a tornare sul palcoscenico. Ma mentre la carriera di Ally inizia a spiccare il volo, il lato privato della loro relazione sta perdendo colpi a causa della battaglia che Jack conduce contro i suoi demoni interiori. Regia di Bradley Cooper. Drammatico, 135 minuti.
8 nomination: (Miglior) film, attore protagonista (Bradley Cooper), attrice protagonista (Lady Gaga), attore non protagonista (Sam Elliott), canzone originale (Shallow), sonoro, fotografia, sceneggiatura non originale.
VICE
Attraversando mezzo secolo, il complesso viaggio di Cheney (Christian Bale), da operaio elettrico del rurale Wyoming a Presidente de facto degli Stati Uniti, offre una prospettiva interna, a volte amara e spesso inquietante, sull’uso e l’abuso del potere istituzionale. Nelle mani capaci di McKay, la dicotomia di Cheney, tra amorevole padre di famiglia e burattinaio politico, è raccontata con intelligenza e audacia narrativa. Guidato dalla sua straordinaria e fedelissima moglie, Lynne (Amy Adams), e avendo come mentore il brusco e spavaldo Donald Rumsfeld (Steve Carell), Cheney si insinua nel tessuto politico di Washington DC durante l’amministrazione Nixon, diventando Capo dello Staff della Casa Bianca sotto Gerald Ford e, dopo cinque mandati nel Congresso, Segretario alla Difesa per George W. Bush. Nel 2000 rinuncia alla sua posizione di Ceo di Halliburton per ricoprire il ruolo di vicepresidente di George W. Bush (Sam Rockwell), con l’implicito accordo che avrebbe esercitato un controllo quasi totale. Un copresidente in tutto e per tutto, tranne che per il nome. Le astute e segrete manovre politiche di Cheney hanno modificato il panorama politico americano in modi che continueranno a riecheggiare per i decenni a venire.
Regia di Adam McKay. Biografico, 132 minuti.
8 nomination: (Miglior) film, regista, sceneggiatura originale, miglior attore (Christian Bale), attore non protagonista (Sam Rockwell),attrice non protagonista (Amy Adams), montaggio, trucco e acconciatura.
L’arte è terapia, è pharmacum. Lo sa bene Francesco Renga che per cauterizzare le sue ferite ha voluto ancora una volta cantare della madre. Lo fece con “Ancora di lei” che precedette quella “Tracce di te” con il quale si esibì per la prima volta tra i big di Sanremo. Oggi è alla sua settima partecipazione al Festival con “Aspetto che torni” e chi attendeva un’esplosione vocale sul palco dell’Ariston sarà rimasto sorpreso. Questa volta l’ago della bilancia della sua canzone si sposta sulla parola.
Hai deciso di arrivare al pubblico puntando sull’intensità interpretativa, su di un testo che ti rappresenta, con il quale ti racconti…
«È un testo che racchiude tutto quello che ho scritto in questi anni. Le mie assenze, ossia mia madre che ho perso 30 anni fa. Le mie presenze, quindi mio padre, malato di Alzheimer e che ricorda solo il suo grande amore per lei. Parla d’amore, che come qualsiasi sentimento prende forza e potere mentre lo stai aspettando. Un amore visto in maniera adulta, matura, discreta, semplice, con un grado di consapevolezza dettato dai miei 50 anni, che mi ha permesso di capire che la felicità è più vicina di quello che pensiamo e sta nelle piccole cose di tutti i giorni come guardare la tua compagna mentre dorme o immaginare di seguirla durante la sua giornata di lavoro. Tutte cose che diamo per scontate».
Il tutto ha preso corpo grazie all’intesa con Tony Bungaro…
«Non è stato facile scriverla questa canzone, ma la musica, la melodia di Tony Bungaro mi ha dato questa possibilità. Probabilmente era un testo che era dentro di me da tanto tempo ma che non prendeva forma, mancava la forma espressiva, la canzone. Volevo tornare ad una forma di scrittura un po’ più classica, più elegante, più matura. Ho fatto tante cose in questi anni e credo che questa sia un po’ più vicina a delle cose che ho fatto all’inizio».
E per presentarlo hai scelto ancora una volta l’Ariston…
«Ho scelto questo palco per stigmatizzare dei momenti precisi, dei passaggi importanti, cruciali della mia vita, questo è uno di quelli. Perché per me la musica è questo, la canzone è un atto liberatorio, è una terapia, ho sempre pensato che la terapia si dovesse fare in gruppo, farlo su questo palcoscenico. Un palcoscenico difficile che può farti molto male ma che tu puoi puoi dominarlo, vincerlo, batterlo, domarlo solo se quello che stai facendo in quel momento ti impegna emotivamente più di quanto ti impegni l’idea di essere lì sopra».
Sono pochissimi, si contano sulle dita di una mano, gli attori che possono permettersi di interpretare il ruolo da protagonista nello spettacolo “Le ultime Lune” di Furio Bordon. Uno di questi è senza dubbio Andrea Giordana che lo sta portando con successo in tutta Italia con la regia di Daniele Salvo, prodotto da Palcoscenico Italiano e Centro Teatrale Meridionale. E per dare una misura del peso di questa messinscena basta ricordare che è stato l’ultimo spettacolo teatrale interpretato da Marcello Mastroianni. Prossime repliche il 14 al Teatro Del Carmine di Tempio Pausania (Ot), il 15 febbraio al Teatro Comunale di San Gavino (Vs), il 16 febbraio al Teatro Centrale di Carbonia, dal 17 febbraio al 6 marzo al Compagnia di Fermo, dal 7 Al 17 marzo al Teatro Carcano di Milano.
Di cosa parla questo spettacolo?
«È una commedia della solitudine, della vecchiaia ma soprattutto una vera storia d’amore. Il protagonista ha perso la moglie a 50 anni, erano innamorati in maniera struggente. Continua a vivere evocandola e riportando a galla le emozioni che aveva vissuto con lei, non in maniera depressiva, ma vitale e viva. Bisogna accettare il lutto ed elaborarlo, non farsi prendere allo scoperto e soprattutto bisognerebbe morire da vivi e non da morti. È una commedia che per le emozioni che porta commuove e fa ridere. E poi c’è il conflitto generazionale, un rapporto difficile con il figlio, qualcosa che insegna e suggerisce che rapporto si deve avere con gli anziani, con rispetto, come una opportunità di dare amore e riscaldare ancora il cuore. Sul palco con me Galatea Ranzi e Luchino Giordana (suo figlio, ndr)».
È vero che non è facile portare i giovani a teatro?
«Il teatro di oggi non allontana ma di certo non avvicina i giovani di oggi. È un fatto di linguaggio o di tematiche. L’obiettivo è scucirli dallo smartphone e metterli in poltrona. Non so se si informano di quali spettacoli vanno in scena, c’è forse un disinteresse totale. Il pubblico è sempre più anziano e dispiace».
Cosa la spinge ad accettare un lavoro?
«Il testo, la regia e i compagni di lavoro sono fondamentale. Questo poi l’avevo visto interpretato da Mastroianni. È una fortuna ricevere la proposta di un bel personaggio nel momento giusto. A volte capita che si è troppo o poco maturi. A 72 anni mi pongo gli stessi interrogativi del protagonista, molte delle sue domande».
Dopo una carriera di grandi successi come trova ancora lo stimolo di andare in scena?
«Qualche volta mi viene ancora il groppo alla gola prima di calcare il palcoscenico, qualche volta sono più in forma qualche volta in meno, a volte devo elaborare il dolore alle ossa. Il teatro è la medicina più miracolosa che c’è.
Cosa vorrebbe fare in futuro, quale sfida?
«C’è una antica diatriba tra me e il cinema. Non c’è mai strato un grande feeling vicendevolmente, credo che avrei potuto dare qualcosa di buono anche lì, ma ho avuto tante altre cose in altri campi».
Lei vive a Roma, com’è la città vista dai suoi occhi?
«È una cosa indegna per come è trattata, è sporca, per non parlare della periferia. Io sono privilegiato perché sono in centro, ma vedo una città che vive del suo passato. Non è solo colpa di questa amministrazione ma anche dei precedenti. Il dato di fatto è che è diventata una città invivibile, mi vergono quando trovo il turista che vede l’immondizia. Ricordo quando ero ragazzo era una città ben tenuta, eravamo anche meno, quindi meno immondizia e meno problemi. I dati parlano chiaro, siamo tra le città meno vivibili d’Italia».
Ci racconta un episodio off della sua vita?
«Fui chiamato per fare il provino per un ruolo minore ne “Il conte di Montecristo”. Ero andato con l’idea di interpretare il figlio di Mercedes. Poi mi hanno messo barba, il cilindro, e venni preso per il ruolo del conte. Non ho mai capito se fu un errore o una pensata del regista. Da lì è cambiata la mia vita».
L’allure di un divo d’altri tempi, la semplicità di un amico di famiglia. Christian De Sica è un’icona del cinema italiano. Torna dopo 13 anni a far coppia con Massimo Boldi e lo firmando anche la regia di “Amici come prima”.
De Sica i suoi film hanno sempre fotografato il Paese…
«Abbiamo raccontato la borghesia degli anni 80 e 90 molto meglio di tanti film autoriali che non hanno lasciato il segno. Una volta Beppe Cottafavi, editor di Mondadori, mi disse che se uno doveva raccontare l’Italia degli anni 80 dovrebbe capire “Vacanze di Natale” perché è uno specchio preciso della società».
Anche se non sempre hanno ricevuto recensioni lusinghiere…
«I teorici del film storcono la bocca, a volte hanno anche ragione, a volte lo fanno per invidia. Perché l’Italia è un paese che non ti perdona il successo, difendono sempre dei film buoni o che non vede nessuno solo perché politicamente da una parte o indirizzati dal direttore del giornale. È un dato di fatto, è triste ma è così. Se “Ladri di biciclette” di mio padre non avesse vinto l’Oscar e se in Francia non avessero gridato al capolavoro, gli italiani lo avevano smontato».
Eppure il pubblico è sempre dalla sua parte, a parlare sono gli incassi…
«Se gli incassi vanno bene ti dicono quanto sei bravo, che sei una cosa incredibile, uno di famiglia. Se non va bene ti dicono che sei vecchio. Come diceva Eduardo “Gli esami non finisco mai”. In Francia l’attore vecchio è idolatrato. In Italia sei ci si dimentica dei grandi. Poi a differenza loro siamo molto affettuosi, pieni di calore ma allo stesso tempo spietati come i bambini, buoni ma terrificanti. In questo paese chi paga le tasse sono i borghesi, i poveri no e manco i ricchi che diventano sempre più ricchi e questa è la tragedia. Io devo lavorare per campare. Sono fortunato ma sono arrivato a pagare il 74% allo stato. Speriamo che vada bene questo film altrimenti è come se non avessi fatto nulla. La gente però ride. Col paese che va così regalare anche un’ora e mezza di qualcosa di superficiale e leggera con un po’ di risate è qualcosa di magico, ti soddisfa molto di più».
Tuttavia a far da padrone al box office sono sempre i prodotti di Hollywood…
«Il cinema italiano è stato un po’ massacrato. Noi facciamo film con due stuzzicanti e un fil di ferro, per questo abbiamo speso 4 milioni, un miracolo. Loro spendono centinaia di milioni. Poi in questo periodo natalizio una volta c’eravamo solo noi, a volte Troisi. Ora la lotta è terribile, l’anno prossimo ci saranno Ficarra e Picone, io farò teatro, una commedia musicale».
Ad affiancarla in questa avventura tanti giovani, tra questi i suoi figli Brando e Maria Sole…
«Avevo proposto a Brando di fare la regia, ma ha rifiutato. Però mi ha aiutato, senza firmarsi, io mi sono occupato delle scenografie, dei costumi, delle location, degli attori e lui dei movimenti di macchina. Ha portato una toupe di giovani dal direttore della fotografia Arnone al montatore Galli. C’era anche Maria sole come aiuto ai costumi, ora è in giro per una serie Nexflix. Questa è stata la chiave di volta del film. Se noi sessantenni ci circondano di coetanei si comincia a parlare del passato e invece bisogna confrontarsi con i più giovani. L’errore che hanno commesso tanti colleghi più illustri di me che hanno deciso di chiudersi nei salotti di casa, senza più scendere in tram o prendere la moto, parlavano sempre delle stesse cose, così si invecchia. Per raccontare il presente bisogna stare per strada. L’amore e l’affetto che ricevo dai ragazzi è una cosa unica, per me. Una grande soddisfazione».
Tornando indietro avrebbe mai fatto una carriera da attore drammatico?
«No, la mia fortuna è stata questa, se da giovane avessi deciso di pormi come obiettivo di fare “Ladri di biciclette” avrei fallito. A me piaceva molto il varietè. Feci lo lo chansonnier in “Bambole, non c’è una lira” con la regia di Antonello Falqui. Così ho cominciato, insieme alle feste di piazza al Lupo di Rimini, il Rangio Fellone di Ischia. Il mio mondo è quello lì, poi è venuto fuori il cinema, ho scelto il cinema popolare perché il cinema popolare ha scelto me. Se avessi fatto l’autore sarei stato un fallito».
Quando però si è cimentato ha ottenuto tanti riconoscimenti
«Quando ho fatto film drammatici, pochi, mi hanno dato molti premi con “Il figlio più piccolo”. Quando faccio questi mi snobbano, ma questi mi ha portato il successo, la notorietà, la casa me la sono comprato con questi film e soprattutto l’amore per le persone. Il cinema popolare non è fatto dagli intellettuali, è fatto da Franco e Ciccio, da Totò e Peppino, dei geni a cui non mi paragono minimamente. E pensare che prima fare un film con Totò era una vergogna. Oppure Sordi nello “Sceicco Bianco” di Fellini non veniva nemmeno messo nel manifesto…».
Scienza e fede. Arcaismo e progresso. “Capri – Revolution” di Mario Martone è una grande metafora del mondo, della vita. Si interroga su individualismi e collettività, sulla necessità di confronto, di crescita. Narra la storia di Lucia (Marianna Fontana), una giovane pastorella di Capri, analfabeta, che vive con i fratelli (Gianluca Di Gennaro e Eduardo Scarpetta) e la madre (Donatella Finocchiaro). Pascolando si imbatte in una comune di intellettuali stanziata sull’isola, li spia mentre prendono il sole nudi, mentre ballano, ne rimane incuriosita. Il gruppo è guidato da Seybue (Reinout Scholten van Aschat), un pittore, un uomo spirituale. I due entrano in contatto, lei ne resta affascinata e lascia la casa per proseguire il suo percorso con lui. Nella vicenda irrompe un dottore (Antonio Folletto), un ragazzo forte delle sue convinzioni, ma pronto a confrontarsi con il prossimo. Fino a che la guerra non travolge l’Italia.
Da dove ha tratto ispirazione per quest’opera?
«Mi sono imbattuto in questa storia per caso, vedendo i quadri di Karl Diefenbach nella certosa di Capri. La sua vita mi ha immediatamente colpito e non sapevo che all’inizio del 900 ci fossero comuni che anticipavano quello che sarebbe accaduto negli anni 60-70. Immediato è stato il cortocircuito temporale con vicende successive, con Joseph Beuys aveva creato un’installazione sull’isola, “Capri Batterie” (titolo originario del film, ndr), dove l’arte non era questione estetica ma mezzo per immaginare un diverso modo di rapporto tra le persone, un fatto politico».
“Capri – Revolution” chiude la trilogia sull’Italia del passato, da “Noi credevamo” (2010) sul Risorgimento, a “Il giovane favoloso” (2014) su Leopardi…
«Non ho immaginato questi tre film all’origine, uno è nato dall’altro. Che Leopardi potesse essere oggi una voce importante l’ho capito mentre facevamo “Noi credevamo”, allo stesso modo i temi di progresso e natura, quelli di “Capri – Revolution”, si sono manifestati durante la lavorazione de “Il giovane favoloso”. Poi sì, è lampante, i protagonisti sono sempre ribelli, giovani, perché a muovermi è sempre il desiderio di raccontare un’Italia che non è doma, che sente la spinta a cambiare, a interrogarsi sui temi, sul rapporto tra collettività e individualità».
La figura femminile torna centrale nel suo film dai tempi de “L’amore molesto”…
«Sì, anche se le donne sono state sempre presenti, e fondamentali, in tutti i miei film. Questa è la parabola di una ragazza e il suo confronto con questi mondi maschili, che attraversa e di cui si imbeve, riuscendo però poi a superarli. Lucia porta con sé l’umano, la capacità di relazionarsi, e credo sia importante in un contesto come quello di oggi, dove ogni idea cerca di essere imposta con l’arroganza e senza alcun confronto costruttivo».
Una pellicola che manda in estasi la vista. Le inquadrature ricordano quadri: quando i protagonisti sono a tavola sembra di vedere Van Gogh, le sinuose scene di danza riportano alla mente Matisse…
«Non è la ricostruzione reale di Diefenbach, ma una figura nuova, con la pittura che viene lasciata alle spalle perché volevo concentrarmi su questo concetto di arte che si relaziona fortemente alle persone. E per questo lo spirito collettivo della danza era fondamentale, con le coreografie di Raffaella Giordano».
Le musiche ipnotiche di Sasha Ring ne amplificano la potenza…
«Ho chiesto a lui e a Philipp Thimm di essere nel film, creando musiche acustiche che questi artisti non musicisti avrebbero suonato nel film. Gli strumenti che sono suonati sono quelli della tradizione mediterranea, altri sono stati costruiti appositamente, creando questa fascinosa mescolanza tra musica acustica ed elettronica».
Il volto della Fontana riempie lo schermo, notevoli i cambi di registro di Folletto, la mimica di Di Gennaro da potenza al suo personaggio, molto convincente Scholten van Aschat.
«Questo film mette in contrasto mondi e visioni diverse, il mondo contadino di Lucia, la scienza del medico, la comune del performer. L’isola è il mondo, la metafora del mondo. Il mondo è un’isola. E l’unica cosa possibile è confrontarsi».
Nonostante sia ambientato oltre 50 anni fa, il film contiene un messaggio molto attuale…
«L’isola è a la metafora del mondo, si scopre che l’unica cosa possibile è confrontarsi. Il confronto è necessario, mentre oggi viviamo in un tempo in cui tutto va chiuso e improntato su una visione in cui l’odio e la paura fanno da collante».
Prodotto da Indigo e Rai Cinema, “Capri – Revolution” sarà nelle sale dal 20 dicembre con 01 distribution.
(Intervista pubblicata su Agorà Magazine di dicembre 2018)
Miglior battesimo non poteva averlo il regista napoletano Ciro D’Emilio. La sua opera prima “Un giorno all’improvviso” è nella sezione “Orizzonti” della 75a Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, con ben tre candidature: miglior film, miglior regia e premio speciale. Un progetto con una lunga fase embrionale, partito con la stesura della sceneggiatura nel 2013 e con l’ultimo ciak nel mese di maggio. Una grande metafora della vita, una storia dura, di grande impatto emotivo.
Racconta di Antonio, 17enne della provincia di Napoli con il sogno di fare il calciatore. È stato abbandonato dal padre quando era piccolo, ed ora vive solo con la madre, Miriam, dolce ma stravolta da problemi mentali. Il rapporto tra i due è a ruoli invertiti, è lui a prendersi cura del genitore. Lavora nell’orto di famiglia, si allena e la sera è di turno in una pompa di benzina. Cerca di vivere la sua storia d’amore ma è troppo impegnato a casa. Un giorno irrompe nella sua vita un talent scout, Michele Astarita, che sta cercando delle giovani promesse da portare nella Primavera del Parma. Sembra il punto di svolta della loro vita, ma un giorno all’improvviso tutto può cambiare.
La pellicola è un incalzate climax, grazie anche ad un montaggio in levare, che fa entrare lo spettatore nella vicenda, grazie anche ad una ripresa intima, “sporca”. Un’opera prima matura, un film con una linea narrativa ben precisa, D’Emilio è una percepibile giuda degli attori, ha trasmesso loro tutta la potenza drammaturgica della sceneggiatura. Ci arriva dopo il fortunato cortometraggio “Piove”. «Quell’esperienza è stata una fine è un nuovo inizio – ha raccontato l’autore – il compimento di un percorso che mi ha consentito di dimostrare ad un pubblico più vasto, e a me stesso, di aver compreso quel linguaggio. Ora è incredibile essere qui, sono molto felice. È qualcosa che mi da fiducia de fatto che abbiamo fatto bene a portare avanti una idea del lavoro e progettualità. Un film che mi regala bellissime emozioni».
Emozioni restituite con grande vigore da Anna Foglietta, in un ruolo devastante, credibile nel suo dialetto (la mamma è napoletana), nel suo dolore, nel suo rapporto col figlio, meravigliosa. «Quando Ciro mi ha proposto 4 anni fa di recitare in questo film – così l’attrice – sono stata rapita dalla storia e dal personaggio. Folle non accettare. Sono entrata in contatto con il mio essere madre, qualcosa che non è stato facile ma profondamente disturbante. Alcune scene mi hanno portato sofferenza, un down psicologico ed emotivo dal quale è stato difficile uscirne». Ne parla ancora visibilmente emozionata. «La mia carriera va in una direzione ben precisa. Dopo aver interpretato a teatro “La pazza della porta accanto” di Alda Merini, tutto ambientato in manicomio, il tema della follia mi sta attraendo sempre di più. Sono da tempo in cura dallo psicoterapeuta e più mi curo è più ciò mi attrae. Penso che prendersi cura della psiche equivale come prendersi cura della società. Il ruolo dell’attore è anche di intento politico. C’è bisogno di parlarne di questi temi, il rapporto madre-figlio determina il futuro, importante dal punto di vista civile. La prima rivoluzione sta nel nucleo della famiglia».
Cuore e anima nel progetto lo hanno messo anche gli altri due protagonisti, il giovane Giampiero De Concilio, bravo nel reggere la maggior parte della pellicola, e Massimo De Matteo, perfetto nel ruolo, toccante per intensità. Completano il cast Biagio Forestieri, Lorenzo Sarcinelli, Fabio De Caro e Franco Pinelli.
Immaginate di farvi piccoli piccoli e poter assistere senza farvi notare alle prove per la messa in scena di uno spettacolo teatrale. Scoprirete con grande meraviglia come qualcosa su carta prende corpo, anima, riesce ad insinuarsi nella mente dell’attore mutandolo inevitabilmente. Questa operazione l’ha effettuata Massimiliano Pacifico con il documentario “Il teatro al lavoro”, evento di apertura delle Giornate degli Autori alla 75a Mostra Internazionale del Cinema di Venezia. «È un film – ha raccontato l’autore – che racconta di un regista e la sua compagnia dal primo approccio ad un testo fino al debutto in teatro. Uno sguardo discreto, senza interagire, rispettoso. Filmare in maniera costante, ci ha permesso di far uscire fuori un po’ di realismo. Viene fuori una avventura umana tra un attore affermato e dei ragazzi preparati».
Protagonista è Tony Servillo nel testo “Elvira” di Brigitte Jacques, trasposizione scenica delle lezioni che Louis Jouvet tenne al Conservatoire d’Art Dramatique de Paris nel 1940. Battute, riflessioni, scoramenti di un regista e della sua giovane allieva impegnati nello studio dell’ultima scena del personaggio di Elvira nel Don Giovanni di Molière.
«Jouvet ha la particolarità di essere un attore – ha spiegato Servillo – che ha messo a servizio di noi che facciamo questo mestiere tanti libri che sono frutto dei suoi pensieri in camerino, prima, dopo e durante gli spettacoli». Il documentario non è una celebrazione dello spettacolo e del teatro, ma «del teatro che lavora dentro nelle coscienze delle persone – così l’attore campano – Il personaggio è un mistero che va indagato, una creazione di un poeta che ci chiede conto. Jouvet lo fa con la tensione pedagogica che questo paese necessita, non impone la visione dell’adulto ma conserva lo sguardo dell’infanzia. Il teatro è questo, stupore, intelligenza, sensi».
Pacifico ha seguito Servillo e i suoi giovani compagni dalla partenza alla Biennale di Venezia all’approdo al Théâtre de l’Athénée a Parigi, attraverso Napoli e Milano. Un viaggio durato mesi, e centinaia di ore di riprese. Non una semplice documentazione di quello che accadeva, ma con una linea narrativa ben precisa che restituisce una grande tensione emotiva. Un lavoro che ci permette di entrare in empatia con un Servillo umano, fallibile, e lo si ama ancor di più per la sua ironia, per la capacità di impartire lezioni talvolta con dolcezza e altre volte con severità, momenti di «amorevoli torture». Qualcosa che Massimiliano Pacifico ci aveva in parte già regalato con il suo precedente lavoro con Servillo “394 – Trilogia nel mondo”.
Il risultato è che “Il teatro al lavoro”, proprio come il testo teatrale, entra nella coscienza dello spettatore, lo smuove, lo fa tornare cambiato. Prodotto da Teatri uniti con Rai Cinema, verrà distribuito nelle sale con Kio Film in abbinamento al corto “L’unica lezione” di Peter Marcias.
