Dopo 40 anni tra Africa e Medioriente, costretto a tornare nella sua Napoli per accudire la madre molto malata, Felice inizierà un viaggio nella sua coscienza, nei suoi sentimenti, attraverso i vicoli del Rione Sanità, nutrendosi della gente che lo abita. È impacciato, non ricorda bene la lingua, è fedele ad un’altra religione.

Sulla sua strada incontrerà padre Luigi Rega (ispirato alla figura reale di padre Antonio Loffredo), interpretato da uno straordinario Francesco Di Leva, che proverà a dissuaderlo nel restare in quella città, in quel quartiere inquinato dalla cattiveria. Di tutta risposta lui dirà, improvvisamente in un perfetto napoletano: “chesta è a casa mia!”.

E nello scavare nel suo passato, ricorderà Oreste, suo amico di scorribande adolescenziali tra corse in moto e micro delinquenza. Scoprirà che oggi è il temibile boss della Sanità, detto ‘O Malommo. Tra loro c’è qualcosa di irrisolto, qualcosa da chiarire che sa di epifania del suo presente. Intanto ad attenderlo in questa sua vita ritrovata c’è la sua bellissima moglie, ancora all’estero.

In un dedalo di stradine, luoghi spesso claustrofobici, chiusi da enormi mura di tufo, ipnotizzati da musiche talvolta psichedeliche, lo spettatore vivrà il senso di inquietudine del protagonista, scoprendo nel finale il sapore di questo sentimento lacerante che è la nostalgia.

Una Napoli inedita, sospesa nel tempo (gli abiti di scena non sembrano attuali), si mostra solo uno spicchio di mare col Vesuvio, per un racconto di impegno sociale quanto più neorealista.

Oltre due ore di film travolgenti, grazie ad una regia puntuale di Mario Martone che, tra le tante intuizioni geniali nel film, decide di portare Favino su un terreno a lui ancora sconosciuto.

L’attore romano risponde restituendo le mille sfumature del suo personaggio, in costante evoluzione dal primo all’ultimo minuto, affascinando e commuovendo (la scena mentre lava la madre è di una pietà che smuove paragoni con la scultura di Michelangelo), confermandosi l’interprete più bravo dei nostri tempi.

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Una favola che affonda nel presente, dove l’azienda di consegne più potente al mondo non è in grado di essere competitiva a Natale e cerca il modo di boicottare Babbo Natale. Assoldano il capo degli elfi (Leigh Gill), convincendolo ad infiltrare nella sua fabbrica un nuovo manager: Genny Catalano, conosciuto come il “re dei pacchi”. In realtà i pacchi in questione non sono i doni natalizi quanto piuttosto i famigerati “pacchi”. Genny, infatti, è un volgare truffatore che vive di espedienti coadiuvato da Checco, un piccolo scugnizzo di 8 anni (il bravissimo Martin Francisco Montero Baez). L’arrivo della coppia al Polo Nord darà vita ad una serie di guai ma alla fine, complice l’improbabile contaminazione reciproca che nasce tra Genny e Babbo Natale e l’inaspettato aiuto della Befana, la magia natalizia riuscirà a trionfare.

Un’ora e quaranta che compendiano 25 anni di carriera di Siani. «Un film che desideravo tanto – ha raccontato l’attore e regista napoletano – ho inserito dei must miei personaggi, ho messo insieme tutto del mio passato. E volevo il copione giusto per tornare dopo 8 anni a lavorare con De Sica, e qui c’era la stessa dinamica del “Principe abusivo”». «Con Alessandro siamo amici – così De Sica – abbiamo condiviso tre film e una tournee teatrale, ma a convincermi ad accettare il ruolo è stato suo figlio che quando mi presentarono il copione aggiunse: “devi farlo assolutamente”. È un film divertente, pieno di tenerezza, ottimismo, gioia, oggi poi non posso più dire le parolacce dei cinepanettoni. E per vestire questa divisa rossa sono dovuto ingrassare».

Una scelta in controtendenza quella di preferire la sala all’uscita in piattaforma streaming. «Va sottolineato il coraggio di questa scelta – aggiunge Siani – il pubblico delle famiglie è ancora molto preoccupato, molti non sono ancora tornati in sala, ed è una parte del pubblico importante. Noi abbiamo deciso così per offrire una alternativa a coloro che vogliono andare al cinema, lo abbiamo fatto per il pubblico». Esperto del periodo è De Sica: «Ne ho fatti 32 di Natale, il successo arriverà nei giorni di festa».

Gli incassi di quest’anno sono stati risibili, pensare che il biglietto d’oro è stato conquistato con poco più di 2 milioni. E per risollevare il botteghino «ci vorrebbe un Zalone vestito da Spiderman con la borsa di Gucci», scherza Siani, che ha puntato sull’inedita Diletta Leotta per il ruolo della nipote di Santa Claus. «Sono veramente emozionata, mi trovo accanto a due colossi, è per me un onore enorme. Presentarlo poi a Napoli, una città meravigliosa, molto legata, non mi ha fatto dormire questa notte, sono presa da mille sensazioni diverse», ha raccontato la giornalista televisiva che ha concluso: “Mi è piaciuto farlo e non escludo un futuro in questo campo».

Gradevole nella confezione, impreziosito anche da buoni effetti speciali, perfetto nelle ambientazioni, con buon ritmo, oltre a far sorridere strappa anche una lacrima nel finale con l’unica scena in cui c’è Napoli tra lo sfondo del Vesuvio e le note di “Fenesta vascia” interpretata da Andrea Sannino.  Prodotto da Bartleby Film e Indiana, “Chi ha incastrato Babbo Natale?” è in sala con Vision Distribution.

(articolo pubblicato sul quotidiano Roma del 20 settembre 2021)

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Dopo tanti documentari Di Costanzo ha scelto il linguaggio di finzione per poter raccontare l’interiorità anziché le azioni: «Ho potuto beneficiare della ricchezza di riflessioni di chi sorveglia e chi è sorvegliato». La storia è ambientata interamente in un vecchio carcere ottocentesco, situato in una zona impervia e imprecisata del territorio italiano. È in dismissione, le celle sono fatiscenti, all’esterno crescono le erbacce. Per problemi burocratici i trasferimenti si bloccano e una dozzina di detenuti rimane, con pochi agenti, in attesa di nuove destinazioni. In un’atmosfera sospesa, le regole di separazione si allentano e tra gli uomini rimasti si intravedono nuove forme di relazioni. Toccherà a l’ispettore Gaetano Gargiulo (Toni Servillo) e il detenuto Carmine Lagioia (Silvio Orlando) trovare un nuovo equilibrio.

«È la prima volta che lavoro con degli attori professionisti – ha esordito Di Costanzo – per me è stato un grande onore lavorare con loro. Il grande problema è stato quello di preoccuparmi delle indicazioni da dare a loro. Abbiamo parlato tanto, è stato bellissimo, una esperienza entusiasmante, li ringrazio di avermi dato fiducia». Quando Orlando ha letto la sceneggiatura si è immaginato guardia «poi il salto mortale, un altro ruolo. La recitazione è arte della memoria, è lontano da me un ergastolano, quindi il panico c’è stato. Bisogna rischiare nel nostro lavoro e bisogna affrontarlo. Se ad esempio avessi dovuto considerare la mia attitudine bonaria mi sarei tirato indietro da questo ruolo». Per Servillo il suo personaggio «è affascinante, una persona di decorosissima bontà, che s’impegna a evitare la catena della violenza in carcere da servitore dello Stato qual è. Vive il conflitto tra l’esercizio della responsabilità e l’esercizio della pietà, della compassione».

Tutto si svolge in un tempo pressoché fermo. «Il tempo è lo stesso strazio per secondino e carcerato, una custodia a non fare niente, sicché possono impazzire gli uni e gli altri» aggiunge Servillo. «Lo spreco di tempo è la cosa peggiore che possa capitare a un essere umano. C’è una ritualità che se interrotta crea terremoto, vedi il rancio nel film. La catastrofe, il punto di rottura è risolta in maniera diversa dal cliché carcerario, ovvero la repressione, la suddivisione in buoni e cattivi. Non succede nulla qui, ma si crea la vibrazione dell’attesa», così Orlando.

Pochi dialoghi tra i due, tanto il tempo trascorso insieme, a volte spalla spalla, a volte in una inversione di ruoli. «Non credevo di poter esprimere un senso di minaccia, una paura senza parlare: mi sono sorpreso» ha spiegato Silvio Orlando che per prepararsi si è fatto raccontare dagli altri attori, come il comprimario Salvatore Striano, che hanno avuto la sfortuna di provarla l’esperienza del carcere. «Non è immaginabile il senso di costrizione e sadismo dello stare in cella».

«Il carcere è la soluzione che la società si dà per chiedere risarcimento a chi ha commesso colpe, delitti: non ne sapevo nulla, ho avuto la necessità di indagare molto la realtà, ovvero incontrare persone che in carcere hanno vissuto, da una parte e dall’altra dei cancelli. “Ariaferma” veicola riflessioni sulla condizione umana, la punizione, il bene e il male, più che sul sistema penitenziario». Spiega Di Costanzo che poi si lascia ad una riflessione: «I fatti di Santa Maria Capua Vetere, dello stesso San Sebastiano a Sassari anni addietro, le violenze succedono, ma è quasi naturale finché il carcere rimane così: vanno immaginate altre forme di punizione e risarcimento. E non riguarda solo il Ministero di Giustizia, ma tutti noi».

Completano il cast un convincente Fabrizio Ferracane (già Nastro d’argento per “Il Traditore” di Marco Bellocchio), lo stesso Striano, e volti nuovi, scoperti dal regista e formati in mesi di prove e laboratori come il giovane Pietro Giuliano. In conclusione, la riflessione che matura nello spettatore è, come già detto, sull’assurdità della vita, delle scelte che ci si trova a dover fare durante il proprio percorso e le sue conseguenze. Ed ecco che in questa storia il figlio di un lattaio rigando dritto capita a fare la guardia, mentre quello di un ristoratore si trova dietro le sbarre.

(articolo pubblicato sul quotidiano Roma del 6 settembre)

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«La scintilla di questo film – ha spiegato il regista – è scattata lavorando al “Sindaco del Rione Sanità”, mi sono accorto di quanto il tema della paternità negata fosse importante, come in “Filomena Marturano”. Ho pensato che c’era un mistero che si poteva affrontare di una famiglia tribù, con un genio del teatro come Scarpetta, un patriarca amorale, scrive “qui rido io” sulla villa che riesce ad acquistare col suo desiderio di riscatto. Con tutti questi figli attori che fa studiare, tutti maschi e femmine».

L’opera è strutturata come una commedia teatrale, ambientata quasi integralmente in interni, e trova il suo punto di svolta nel mito greco quando il protagonista pecca di hybris, di tracotanza. Dopo aver “sconfitto” la maschera di Pulcinella con il suo Felice Sciosciammocca, pensò di sfidare il miglior poeta italiano Gabriele D’Annunzio, mettendo in scena una parodia da “La figlia di Iorio”. Questo gli costò una denuncia per plagio da parte del poeta Vate fomentata dai poeti Bovio, Di Giacomo che lo porterà in tribunale ma che Scarpetta vincerà grazie ad una sua comica arringa e all’aiuto di Benedetto Croce.

Protagonista un potente Toni Servillo capace di restituire tutte le sfumature di Scarpetta. «Ho immaginato Scarpetta come un animale – ha sottolineato-che preda e traccia i confini di un limite dove fare la caccia. Le sue prede sono le donne, i testi, i teatri, le città. E nel suo mondo si mischiano le tende dei salotti e le quinte del palcoscenico. Un’occasione magnifica per un attore che fa l’attore celebrando la vita, coincidono le nascite e le morti, i successi e i fiaschi‎, un attore che rappresenta la vita attraverso il corpo. Racconta questo irresistibile vitalismo di Scarpetta che è un attore che celebra la vita».

Fa da sfondo una Napoli meravigliosa, florida, ricca di cultura, quella della Bella Epoque. «Il film vuole raccontare anche la forza creativa della Napoli di fine ‘800, una città dove ad esempio nacque il cinema. La prima scena del film è una inquadratura girata a Napoli nel 1985 dai fratelli Lumiere, qui vi lavorava Elvira Notari che è stata la prima regista in assoluto in Italia e una delle prime della storia del cinema mondiale. In questo ambiente si muove Scarpetta, che divora Pulcinella e il teatro San Carlino, per diventare attore e drammaturgo osannato della sua città. Un uomo che divora la vita come il teatro, con figli sparsi cui sembra dare un seme potentissimo di creatività se non di genio. Nella sua casa c’era anche il dolore, quasi rassegnato, delle donne e dei figli, come Peppino De Filippo che lo detestava ed Eduardo che non ne ha mai voluto parlare come padre ma solo come artista», ha spiegato Martone che ha curato la sceneggiatura come sempre con Ippolita Di Majo, documentandosi compulsivamente sul tantissimo materiale a disposizione.

Un film corale con un numerosissimo cast nel quale spiccano Cristiana Dall’Anna, una meravigliosa Luisa De Filippo, e Eduardo Scarpetta nei panni del bisonno Vincenzo Scarpetta. Bravi anche Lino Musella (Benedetto Croce), e Chiara Baffi (Anna De Filippo detta Nennella). Completano in cast Roberto Caccioppoli, Gianfelice Imparato, Iaia Forte, Gigio Morra, Paolo Pierobon e Giovanni Mauriello. A fare da scenografia del film ci sono le canzoni napoletane, alcune anche di epoca più attuale come “Indifferentemente” del 1963. Prodotto da Indigo Film e Rai Cinema con Tornasol sarà in sala da domani con 01 Distribution. Regista e cast saranno stasera al Modernissimo per salutare il pubblico durante l’anteprima nazionale.

(articolo pubblicato sul quotidiano Roma del 5 settembre 2021)

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Un fiume di note, immagini immortali del cinema internazionale, di successi senza tempo, intervallate dalle testimonianze di grandi personaggi tra registi con il quale a lavorato a sui estimatori tra Bertolucci, Montaldo, Bellocchio, Argento, i Taviani, Verdone, Barry Levinson, Roland Joffè, Oliver Stone, Quentin Tarantino, Bruce Springsteen, Nicola Piovani, Hans Zimmer e Pat Metheny.

Figlio di un trombista, il giovane Ennio prende la strada del severo padre per poi diventare uno dei musicista più amati al mondo, senza dubbio tra i più influenti, vincitore di due Premi Oscar di cui uno alla carriera e autore di oltre 500 colonne sonore indimenticabili. Un ritratto dettagliato, che segue una linea temporale farcito di immagini di repertorio e, soprattutto, di pellicole che ha musicato, per quasi tre ore che vorresti non finissero mai.

«Ho cercato una distribuzione informativa ed emotiva dei vari interventi per rispondere a uno schema musicale, o più chiaramente al brano musicale affrontato dal film: il concetto espresso da una persona richiedeva pochi secondi o distensione a seconda della musica. Il montaggio ha assunto una partitura musicale, una griglia di narrazione: è la logica che mi sono imposto. Mi sono trovato con tanti materiali e ho dovuto trasformarli in altra cosa, come Ennio faceva con le note», ha spiegato Tornatore in conferenza stampa.

Il loro incontro oltre trent’anni fa, quando il grande compositore accettò la proposta di lavorare insieme per “Nuovo Cinema Paradiso”. «Quando ho incrociato la sua testimonianza con le altre sono rimasto colpito dall’esatta convergenza, non è mai accaduto ci fosse una discrepanza o una smentita. Emerge l’uomo Ennio: nelle interviste con i giornalisti si irrigidiva, non era a proprio agio, viceversa, qui ha potuto respirare, e si sente molto la sua trasparenza, se stesso e i suoi pensieri».

Passando a rassegna i passi fondamentali il maestro si commuove di continuo. «Ennio non nascondeva le proprie emozioni: era trasparente in tutto, musica e sentimenti. Questa commozione spesso era legata alle profonde sofferenze del suo rapporto con la musica. La voleva assoluta, sciolta da ogni vincolo, viceversa dovette prestarsi a un uso della musica che riteneva fosse umiliazione della musica stessa: viveva questo conflitto, faceva musica per il cinema con la stessa serietà e profondità d’anima che per la musica assoluta, anche se sapeva che gli altri non lo capivano».

Il regista siciliano ha fatto in tempo a mostrare a Morricone solo la prima ora del montaggio grezzo, «poi purtroppo non c’è stato più tempo. Ci dicevamo tutto nel nostro rapporto, la nostra amicizia non castrava le critiche reciproche: non escludo avrebbe avuto qualcosa da ridire».

Dopo il festival di Venezia approderà in sala a novembre con con Lucky Red e poi su TimVision.

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Protagonista è Sandro (Aniello Arena), 50 enne di Napoli detto “Mohicano”, capo del gruppo di ultras Apache, con cui ha passato tutta la vita allo stadio tra violenza, scontri, passioni e valori incrollabili. Ma ora che un Daspo gli impedisce di avvicinarsi alla curva, quei valori iniziano a vacillare. Sente per la prima volta il bisogno di una vita normale, di una relazione, magari anche di una famiglia. E ha incontrato Terry (Antonia Truppo), ragazza bella, forte e che non ha paura di niente. La sua storia si intreccia con quella dei giovani Ultras, bisognosi di trovare spazio, di prendersi la leadership della curva del San Paolo. E infine, con i più piccoli, che hanno tanta voglia di crescere, far sentire la propria. Tra questi c’è Angelo (Ciro Nacca) di sedici anni che considera gli Apache la sua famiglia, Sandro la sua guida, la persona che ha preso il posto di suo fratello Sasà, morto anni prima durante gli scontri di una trasferta.

Un esordio sorprendente per Lettieri (autore anche della sceneggiatura insieme a Peppe Fiore), che aggiunge alla sua estetica già apprezzata in videoclip di successo per TheGiornalisti, Calcutta, Liberato (quest’ultimo cura la colonna sonora del film), una profondità di caratterizzazione dei personaggi molto interessante, dove ogni ruolo ha la sua dignità. Gioca con i colori (sembra a volte di essere negli Anni 80), con i piano sequenza, dei poetici droni in volo sul mare, le riprese “sporche” con la camera a mano, e inquadrature tanto strette da farti sentire nel pieno della vicenda, grazie alla grande intesa col suo direttore della fotografia Gianluca Palma. Una vicenda, con piacevoli spunti action, che narra tutto fuorché il calcio ma l’esigenza dell’uomo di primeggiare, una violenta lotta di potere tra amicizia, fede, scontro. Gli “anziani” vogliono mantenere saldo il comando, i giovani scalpitano per screditarli e fargli le scarpe, i più piccoli tendono a giocare a fare i grandi. Tutto questo li porterà all’inevitabile scontro con il loro destino. Primeggia la figura maschile, evidenziandone soprattutto le debolezze. C’è chi perde la testa per amore, chi ha bisogno ancora delle cure della mamma, chi con difficoltà si stacca da un abbraccio con la figlia. Dall’altra ci sono donne sole, indipendenti e fragili. Ne usciranno tutti sconfitti.

Tra i meriti di “Ultras” c’è di aver puntato su due “bomber” come Aniello Arena (Nastro d’Argento per “Reality” di Garrone) e Antonia Truppo (David di Donatello per “Lo Chiamavano Jeeg Robot” di Mainetti e “Indivisibili” di De Angelis) e dai bravi Ciro Nacca, Simone Borrelli, Daniele Vicorito, Salvatore Pelliccia, tutti molto credibili.

«Tutto nasce da un plot per un vecchio videoclip che avremmo dovuto realizzare per Calcutta. Abbiamo però spostato la vicenda a Napoli dove, a differenze della altre grandi città che hanno più di una squadra, il tifo è legato ad un’unica maglia, tutti uniti ad un sentimento di riscatto del Sud e del Meridione, l’unica che può lottare con le formazioni del Nord» spiega il regista. «Ci ho messo del mio passato» racconta Arena, che prima di essere scoperto da Garrone era in carcere a Volterra per essere stato un membro della Camorra di Barra. «Sandro vive in un contrasto, tra la vita ultras e l’amore». «Il compito del mio personaggio – spiega la Truppo – era mettere in difficoltà Sandro, vedevo che funzionava, la mia Terry è una donna indipendente».

E dopo il suo esordio Lettieri si sente pronto per una nuova avventura. «Fellini diceva che “Per imparare a fare film bisogna fare un film”, il mio prossimo lavoro sarà molto diverso da questo». Un prodotto che si inserisce in un onda positiva per il cinema partenopeo, ma guai a parlare di “rinascimento napoletano”. «Qui nascono grandi registi, attori, fotografi, scultori – conclude Giuliano – c’è una miniera inesauribile di giovani talenti che escono, un filone che spero non si esaurisca mai».

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E la politica ha giocato un ruolo chiave in questi anni, appiattendo il paese dal punto di vista del dibattito culturale, gestendo male la res pubblica tra tasse e burocrazie, non essendo in grado di risollevarci da questo ventennio di impasse. Geniale poi la definizione di fascismo, vista come malattia che può essere curata solo dall’amore.

Tutt’altro che un film sull’immigrazione, come aveva lasciato intendere dal trailer che ha fatto gridare al razzismo. Le vicende africane sono solo un pretesto. L’uscita dalla sala è triste, ci si rende conto di che fine abbiamo fatto, grazie all’iperbole che forse è più felice un bimbo africano che scappa dalle bombe che uno di noi col cellulare scarico.

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Esoterismo e superstizione, magia e stregoneria. Qual miglior città se non Napoli per ambientare un “Ghostbuster” all’Italiana. Sarà nelle sale da giovedì 14 novembre, in 400 copie con Medusa, “Sono solo fantasmi”, nono film dietro la macchina da presa per Christian De Sica, centodecimo da attore, che in questa avventura ha voluto nel cast Carlo Buccirosso e Gianmarco Tognazzi.

Non solo risate ma anche brividi di paura, in questo horror comedy, che narra di Thomas (De Sica), ex mago di successo oggi in bolletta (che fa il verso a Giucas Casella nel look e nelle movenze), che si ricongiunge ai suoi fratellastri a seguito della morte del padre Vittorio, giocatore incallito e donnaiolo (interpretato sempre da De Sica truccato proprio come il padre Vittorio appunto). Incontrerà a Napoli sia Carlo (Buccirosso), napoletano sottomesso a moglie e suocero settentrionali, che Ugo (Tognazzi, chiaro richiamo a suo padre), apparentemente un po’ tonto ma in realtà un piccolo genio.

Convinti di ricevere una ingente eredità, scopriranno invece che il genitore ha sperperato tutto, persino sulla casa natale pende un pignoramento. Per riscattarla i tre squattrinati hanno una grande idea: sfruttare la superstizione e credulità napoletana, aprendo una impresa di “acchiappa fantasmi” con tanto di divisa, zainetto e vettura d’ordinanza. Mentre l’attività prende inaspettatamente piede, il trio entra in contatto con l’anima del padre defunto convincendosi così dell’esistenza dei fantasmi. E proprio quando tutto sembra andare per il meglio, la strega Janara si risveglia e minaccia di incendiare la città.

«Avevo in mente di fare un horror comedy – racconta De Sica – e avevo chiesto alla produzione di trovare i diritti del film “L’Oscar Insanguinato” con Vincent Price. Purtroppo i diritti non si riuscivano a trovare e Guaglianone e Menotti mi hanno proposto il soggetto di “Sono Solo Fantasmi”, un mix di due generi che non c’entrano nulla l’uno con l’altro. La parte più impegnativa è stata trovare il tono giusto tra i due generi, tra l’horror e la commedia. Devi essere in grado di mettere paura ma anche di far ridere, e questa è una cosa completamente nuova per l’Italia, una scommessa». Per sviluppare la linea horror si è fatto aiutare dal figlio. «Ha un gran talento, presto firmerà una regia tutta sua, sul set è stato fondamentale per aver fatto da trait union con tutti i reparti, tutti giovani professionisti che ci ha dato una sferzata di energia, è stata una grande trovata».

Il set, come già detto, è stato Napoli, per otto settimane di riprese, un atto d’amore di Christian nei confronti della città tanto amata dal padre. «A differenza dei film che ultimamente si fanno su Napoli, che hanno a che fare con la camorra e sono ambientati in una città buia e nera, questo film rispecchia la Napoli luminosa, una Napoli come quella di mio padre, positiva, nonostante i fantasmi. È la città di Croce, Di Giacomo, con un golfo meraviglioso. Una città ci ha aiutato tantissimo, nonostante un caldo terrificante in quei giorni (ride)». Si vedrà la statua di Totò nell’omonimo teatro, un De Sica in abiti di Pulcinella che suona il putipù e come canzone di chiusura un rap di Clementino scritto apposta per il film.

Durante i 100 minuti di pellicola ci sono molte citazioni che richiamano il cinema di De Sica padre. «Non è un omaggio, ma ci sono molti elementi che ricordano i suoi film. La signora Cuccurullo, ad esempio, è presa da “L’oro di Napoli”, mentre Gullotta esclama più di una volta “una chese distrutta” come Mastroianni in “Divorzio all’italiana”. Ho perso papà a 23 anni, chissà quante cose gli avrei potuto chiedere. Mi manca tanto. Perciò ci ritorno. Quasi sempre metto una battuta che lo richiama. Ma sono fortunato, perché proprio quando non ce la faccio più ho la possibilità di rivederlo mettendo su un suo film».

Con un buon ritmo il film, prodotto da Indiana, scivola via scorrevolmente con delle sferzate date dagli ottimi effetti speciali. «Devo ringraziare i miei attori. Carlo Buccirosso è straordinario, nel film interpreta due personaggi: uno milanese e uno napoletano. Io addirittura lo doppio in una scena in cui il fantasma di nostro padre si impossessa di lui e parla con la mia voce.  Gian Marco Tognazzi interpreta un personaggio molto diverso da quelli che ha fatto nella sua carriera, io invece faccio un personaggio simile a quelli che interpreto di solito: il romano imbroglione. Ci sono poi due rivelazioni: i due ragazzi, Francesco Bruni e Valentina Martone». Completano il casti giovani Ippolita Baldini e Francesco Bruni, e poi Gianni Parisi, Tommaso Bianco, Graziella Marino, Luca Saccoia e la partecipazione straordinaria di Leo Gullotta.

Aspettando la risposta del pubblico De Sica si proietta nel futuro. «Vorrei realizzare “La porta del cielo”, una storia straordinaria, la cosa più bella che ho scritto. Parla dell’amore tra mio padre e mia madre. Magari da regista, sono anni che lo voglio fare, chissà se ci riuscirò. Forse Netflix è interessata, ne verrebbe fuori qualcosa di internazionale che interessa anche Francia e America».

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Siani centra così il suo obiettivo e in 120 minuti è in grado di calamitare l’attenzione dello spettatore tra una risata e l’altra catapuldandolo in una atmosfera fiabesca con tinte action. Si è spinto oltre la commedia romantica confezionando un film che entusiasmerà i bambini e coinvolgerà i più grandi. Un’opera matura, coraggiosa, che strizza l’occhio alle tendenze di oggi, puntando al mondo delle serie tv e ai grandi effetti speciali. Un lavoro importante che ha portato l’autore napoletano a stare 8 settimane sul set – tra Napoli (Edenlandia e Città della Scienza), Colmar, a Cernobbio, Fiuggi, Roma – e 8 mesi in post produzione. Ha massimizzato l’esperienza dei suoi precedenti lavori (“Il Principe Abusivo”, “Si accettano miracoli” e “Mister Felicità”), puntato molto su una confezione pressoché impeccabile tra montaggio (Valentina Mariani), costumi (Eleonora Rella), scenografia (Chiara Balducci), e fotografia (Michele D’Attanasio). Per le musiche si è affidato al fedelissimo Umberto Sciopione.

Una sceneggiatura, scritta a quattro mano con Gianluca Ansanelli, farcita di citazioni, di momenti che gli amanti del cinema riconosceranno con piacere, alcuni palesi, altri un po’ nascosti. A partire dall’omaggio alle atmosfere di Frank Capra nella “Vita è meravigliosa”, a “Snatch” di Guy Ritchie nel presentare i personaggi, ai continui riferimenti imprescindibili a Totò, De Crescenzo, Troisi, fino al mondo Disney con i bimbi che ricordano un po’ quelli di Peter Pan.

Ma la vera forza del film è l’equilibrio di talenti nel cast. Un’opera corale che fa leva intanto su gente che mastica pane e palcoscenico come Benedetto Casillo (nei panni di un perfetto scienziato), Gianni Ferreri (l’esilarante barbiere), Nicola Riganese (il posteggiatore sui generis), e Giovanni Esposito (“Pochi Pochi” l’artista strampalato), due attori di fama internazionali ossia la sorprendente Stefania Spampinato che da un paesino catanese è entrata nel cast di “Grey’s Anatomy”, e Leigh Gill tra i protagonisti di “Jocker” con Joaquin Phoenix e Robert De Niro. Infine, non per ordine di importanza, i due meravigliosi piccoli talenti Leone Riva e Sara Ciocca, quest’ultima un vero prodigio anche sul set di Ferzan Ozpetek per “La Dea Fortuna”.

E poi, diciamola tutta, il motore di tutto questo è proprio Alessandro Siani. Un artista capace di rinnovarsi continuamente nei suoi 10 anni di cinema. Uno partito dagli sketch in tv e arrivato ad incassare milioni e milioni al box office. Da cabarettista a attore, regista, produttore, sceneggiatore. Un grande talento che deve essere incoraggiato, coccolato e applaudito.

(articolo pubblicato il 31 ottobre 2019 sul quotidiano Roma)

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